世界各地农村的文化中心和社区中心建筑，正不断被重新发掘为一个富有实验性的领域，在这里传统与创新交织。远非重复城市化的标准化范式，这些建筑采取了与地域对话的当代表达，融合大胆的造型、可持续技术与协作式的设计实践。很多项目在当地社区的共同参与下成形，采用区域材料与文化符码，创造的不仅是容纳活动的空间，更是表达身份与归属感的场所。通过以当代语汇重新诠释本土建造知识，这些建筑既包容又激发乡村生活的新可能。

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城市决策者和开发商日益倾向于将项目冠以“临时”之名，通过在世界各地的城市中试点快闪公园、艺术装置和过渡性结构。这些举措通常被包装为激活闲置场地的实验性干预。然而，在实践中，它们往往充当着一种临时策略，旨在管理未充分利用的土地，直至更具盈利性的开发形式出现。“临时”这一标签发挥了城市伪装的作用，将永久性的议程隐藏在临时的修辞之下。

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城市科学（City Science）是一门迅速扩展的职业学科，研究并工程化城市系统。它利用科技、大数据与复杂系统物理学来应对诸如低碳、出行与宜居性等挑战。其核心在于以数据为驱动的解决方案。它运用统计学、建模与人工智能来揭示城市的隐性动态 —— 从能源使用到人类移动。城市科学采用的策略旨在减少碳排放、提升效率，并营造更可持续、更具韧性的城市环境。

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ReGreeneration 是一项荣获欧盟“地平线欧洲”（Horizon Europe）计划资助的项目，旨在通过 基于自然的解决方案、参与式治理，以及气候韧性与社会公平的综合方法，推动九个城市的城市更新。该项目所涵盖的九个城市跨越了不同的城市类型、规模和规划传统，在实践中构成了一个重新思考可持续城市转型的“活态实验室”。每个城市都为这一合作带来了独特的挑战和愿景。本系列文章将探讨每个城市的具体实践，以及更广泛的设计界可以从中汲取哪些经验。

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视频

2007年，由 SANAA 设计的新美术馆（New Museum）原馆大楼落成。这座由错落的不透明盒子堆叠而成、外表包裹着金属网的建筑，由于流线局促、占地面积有限，自启用之初似乎就注定了未来需要通过某种形式的扩建，来缓解其面临的垂直交通压力。今年3月，该馆揭幕了备受瞩目的扩建大楼，该项目由 OMA 的重松象平与雷姆·库哈斯（Rem Koolhaas）设计。这座带有倾斜角度、略微退台的配套建筑在使美术馆展陈空间翻倍的同时，也重塑了该艺术机构与城市，以及与妹岛和世和西泽立卫设计的 SANAA 原有建筑之间的关系。

在新大楼的新闻发布会上，库哈斯称该项目“不仅是延伸，更是一种互补与对照”。重松象平随后阐释道：“我们当时的想法是设计一对双生建筑，它们彼此独立却又高度关联。一栋更为垂直内敛，另一栋则更为水平外向。”

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近年来，多层住宅建筑的范式正在发生转变，越来越多的新项目开始采用工程木材进行建造，特别是正交胶合木（CLT）和胶合木（glulam）。由于木材自重较轻，这些系统可以减轻恒载并降低对地基的要求，这对于承载力有限或位于既有基础设施上方的场地尤为实用。从可持续发展的角度来看，木材在建筑的整个生命周期内都可以固碳，且与传统的钢筋混凝土系统相比，往往能减少隐含碳。在防火设计中，大型木构件经过精心设计可以按可预测的速率炭化，只要节点构造设计得当，就能在规定时间内保护内部结构核心。

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在20世纪50至60年代之间，两座将在建筑与城市规划史上留下深远印记的城市拔地而起。它们孕育自同一个理念，却相隔1.4万多公里。巴西的巴西利亚与印度的昌迪加尔，深受现代主义原则的熏陶，皆是经过精心规划并从零建起的城市。

两座城市诞生于深刻的政治与社会变革背景下，当时许多国家正致力于重塑首都，将其视为进步的象征。因此，这两座城市都承担了战略性角色。通过所采用的建筑语言，它们重申了与国家权力紧密相连的意识形态与身份叙事。

这些是在抽象概念中创造的城市，遵循着一种乌托邦式的愿景。它们将成为前卫的都市，摆脱困扰20世纪中期传统城市的种种弊端，成为体现进步政治意识形态并拥抱新技术（尤其是汽车）的美学原则典范。

然而，这种对未来的承诺最终带来了巨大的挑战。这些困难固然反映了各自国家所面临的社会与经济困境，但也可以说，是在今天备受争议的现代主义理念的“调和”下产生的。

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随着对 2026年国际足联世界杯 主办城市盘点的推进，我们将目光投向目前北美 最宜居的城市 ——温哥华。艺术家道格拉斯·库普兰（Douglas Coupland）曾将温哥华称为 玻璃之城 ，以此形容其市中心占据主导地位的钢与玻璃建筑美学；然而，这座城市实际上拥有极其多元的建筑风貌，从20世纪的爱德华时代建筑到独特的21世纪现代主义地标，不一而足。

温哥华以其优越的生活品质和亲近自然的便利性而闻名。尽管生活成本不菲，但这座城市提供了高质量的市政服务以及充足的休闲和公共空间，这一点在其建筑中得到了充分体现。许多改建自办公楼和机构建筑的项目，如今已焕发生机，转型为公共与款待空间。

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北半球的冬至不仅标志着一年中白昼最短的时刻，也让人重新审视建筑长期面对却往往忽视的维度：时间。除形式与功能之外，建筑与空间持续受到光影周期、季节交替以及环境律动的形塑，这些因素深刻影响着人们的栖居体验。

近年来，越来越多的建筑项目开始明确地将这些周期纳入设计。建筑师不再局限于设计功能单一、形态固定的空间，而是着手创造能够随一日晨昏、四季更迭，或响应太阳轨迹、月相变化、风向模式及昼夜节律等自然现象而流变的环境。这些项目与时间展开对话，根据不同的环境条件，呈现出各异的形态、转化路径与生命力。

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建筑与设计在步入 2026 年之际，正处于重新实验、紧迫的环境反思以及关于建成环境的全球对话不断扩展的交汇点。随着城市面临气候适应、人口结构变化和技术变革的多重压力，今年的国际日程为我们提供了一个视角，观察这一学科如何以创造性、批判性和集体性的方式作出回应。从历史悠久的双年展到新设立的平台，2026 年的各类活动凸显了建筑作为我们不断变化的世界之记录与更公平、可持续未来之驱动者的演变角色。

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“到2050年，世界上几乎每个孩子——近22亿儿童——都将面临频繁的热浪袭击。”联合国儿童基金会（UNICEF）的这一警告通常被解读为公共卫生预测，但它同时也是对建筑学和城市建设方式的严峻挑战。随着亚洲、欧洲及其他地区的极端高温愈演愈烈，热舒适度不应仅仅被窄化为由机器提供的室内服务。空调已成为许多城市的生命维持系统，在人口稠密、潮湿且快速城市化的地区尤为如此。然而，将其作为默认的解决方案，无异于将“热”视为一种可以简单转移的物质（且在此过程中还会产生额外的热量）——将其从室内排出到街道、后巷、电网和大气中。这种扩张加剧了能源需求，产生了废热，并加剧了人们在享受舒适度上的不平等。

然而，热的影响并不止于人体。它正在重塑更广泛的城市生态系统：树木在板结的土壤和辐射热严重的铺装中艰难生存；当植被被简化为装饰性绿化时，鸟类和昆虫便失去了栖息地；水体系统变暖，微生物活动发生改变，建筑材料在太阳落山后很久仍不断吸收并释放热量。“热”绝非一个仅靠躲进室内就能逃避的气候问题。它是一个城市行为体，重塑着公共空间、劳动生产、交通出行、植物配置、材料选择，以及人类与非人类生命之间脆弱的共生关系。

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在全球各地的城市中，工业生产的遗迹已成为探索新型城市状况的实验室。仓库、发电厂和造船厂，这些曾经象征着劳动力与进步的建筑，如今已成为等待被重新构想的巨大空壳。建筑师们没有选择抹除这些结构，而是寻找创造性的方式来使其适应当代需求，将生产空间转化为文化、教育和社区生活的场所。

这一转变反映了建筑领域优先事项的更广泛变革：少建多用。适应性再利用的实践，既是对环境紧迫性的回应，也是对城市环境中文化连续性需求的满足。

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三十万亿吨。这是目前估算的地球上所有人造物质的总质量，也是第七届里斯本建筑三年展的出发点。本次展览由 Territorial Agency 的创始人安-索菲·罗恩斯科格（Ann-Sofi Rönnskog）和约翰·帕尔梅西诺（John Palmesino）共同策展，提出了一个看似简单却耐人寻味的问题：城市有多重？要回答这个问题，仅靠数据是远远不够的。它需要一种视角的转换：从城市尺度转向行星尺度的“技术圈”（technosphere）。

“技术圈”这一术语借用自地球科学，用以定义支撑人类生活并重塑地球的庞大基础设施、技术和物质系统。从这一视角来看，城市不仅是领土，更是这一行星代谢系统中的密集节点。2025 年 10 月至 12 月期间，里斯本将成为审视这一量级的透镜，举办三大核心展览（《通量》（Fluxes）、《幽灵》（Spectres）、《更轻》（Lighter））、出版一本论文集、开展一系列讲座，并在全城呈现二十多个独立项目。

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20 世纪之交，世界各地兴起了数个相互并行又彼此关联的艺术运动，共同开启了一个全新的设计风格与建筑时代。从英国的工艺美术运动（Arts and Crafts）、法国的新艺术运动（Art Nouveau）及随后的装饰艺术（Art Deco），到德国和奥地利的青年风格（Jugendstil），这些艺术与设计潮流风靡全球，并在不同的地域语境下演化出多样的表现形式。尽管形式各异，其核心理念却殊途同归：它们都强调手工艺的价值与匠人精神；广泛应用木材、玻璃及各类金属；将有机自然形态融入建筑外立面与内部结构中；并巧妙地将装饰符号转化为建筑元素（多表现为植物花草或几何图案）。

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夏日的午后，圣家族大教堂的中殿浸润在温暖的色彩中。一束束琥珀色和深红色的光芒扫过石质地面，随着一片云彩飘过巴塞罗那上空而悄然变化，随即又再度加深。在你身旁，游客们不由自主地放慢了脚步。有些人举起手机——不是为了记录建筑本身，而是为了走入光芒之中，将自己置身于一片橙色或金色的光影里，仿佛这些色彩是可以穿在身上的衣裳。

他们并在不经意间，恰好实现了高迪的初衷：哪怕只是转瞬之间，也甘愿沉浸在一种超越自身的宏大感官体验中。

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视频

勒·柯布西耶（Le Corbusier）设计的“居住单元”（Unité d'Habitation）构想了一个“垂直社区”，即一座能够将住宅、商业、休闲和公共空间整合于单一建筑结构中的建筑。几乎与此同时，简·雅各布斯（Jane Jacobs）提出，用途的多样性是街道层面产生安全感、身份认同和社会生活的关键。后来，雷姆·库哈斯（Rem Koolhaas）在《癫狂的纽约》（Delirious New York）一书中，将摩天大楼描述为“垂直城市主义”的早期实验，它能够在同一屋檐下堆叠起看似不兼容的功能。在东京和香港等城市，这种愿景已发展为复杂的混合用途建筑，其中交通枢纽、零售、办公、酒店和住宅等不同用途共存并持续互动。

桥梁早已超越单纯的基础设施角色，长期以来便是强有力的建筑宣言。如今，这一表达潜力正在东南亚焕发新的活力，越来越多的建筑师重新审视传统材料。通过推崇木材与竹材，这些设计师创造出将地方工艺与当代需求相融合的独特结构，使之成为既具功能性又深植于地域景观的地标。

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与许多传统上隐藏在中性立面和密闭空间背后的工业项目不同，当代蒸馏厂往往将它们的生产过程展露出来，使其成为建筑体验的核心部分。蒸馏器的热量、蒸馏产生的蒸汽以及原料的流动轨迹，不再仅仅是单纯的技术操作，而是开始在空间中扮演主角。

尽管所生产的酒类各不相同，但以下精选的项目却面临着相似的建筑挑战：它们都需要组织工业流线、控制特定的温度、通风和储存条件，并将技术区域与公众参观路线相协调。与此同时，每座蒸馏厂都对自身所处的在地环境做出了独特的响应，展现了生产与景观之间不同的关联方式。

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ArchDaily 始于校园，由两位建筑学学生在毕业后创立，他们相信建筑和设计的观念应该被大众所了解，传播得更远、更广。18 年过去了，虽然我们手中的工具更先进了、视野更开阔了、机遇也更广阔了，但那份初心从未改变。ArchDaily 现正式启动学生大使计划，让新一代建筑师在连接校园与全球建筑对话中发挥直接作用。

在20世纪的大部分时间里，建筑文化一直受到对“轻盈”追求的塑造。钢结构和幕墙将建筑围护结构简化为分隔内外的薄薄一层，立面则演变为光滑、连续的表面，窗户则如同在一个抽象平面上精准切割出的开口。然而，在过去的数百年里，建筑一直被视为实体的化身：墙体具有深度，窗户深嵌在厚重的砖石之中，空间往往被体验为从坚实的构造中雕凿而出的产物。近年来，一些当代项目似乎在重新审视这种古老的空间逻辑。它们通过深邃的洞口、整体性的体量和厚重的围护结构，将“厚度”作为一种建筑条件重新引入设计语汇。

这一转变并不意味着对现代建造技术的排斥，亦非对历史形式的怀旧复归。相反，它反映了人们对材料、实体与虚空之间基本关系的重新关注。通过将厚度重新引入建筑语汇，这些建筑将当代实践与悠久的传统重新联系起来——在这些传统中，空间与建造的重量及深度密不可分。

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Studio NEiDA 活跃于建筑实践、研究与策展工作的交汇点，始终关注建筑如何从特定场所的材料和文化条件中生长出来。该事务所并未将材料性视为一种润色语言，而是将其作为建筑叙事的起点——他们立足于当地现有的资源，深入研究在地已有的手艺知识，以及这些资源与技能如何将项目锚固于某种建筑谱系之中。这种方法将限制与可能性视为推动创作的生产力，并将设计定位为一个迭代过程，旨在使空间意图与建造文化及风土智慧的现实相契合。

在其实践中，NEiDA 的关注点超越了形式本身，延伸至塑造建筑建造与居住方式的社会政治及气候背景。他们强调向无名者、风土以及非正式建造实践学习，以此建立一种干预建筑的共享语法；他们对室内外连续性的追求并非出于风格偏好，而是对当地生活方式和通风逻辑的积极回应——在这里，室外空间在空间界定和功能核心上，都可以与室内空间同样重要。在这一框架下，协同合作并非辅助手段：该事务所将与工匠、建造者在现场的沟通交流视为核心方法论，使项目通过集体智慧和动态沟通得以演进。

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Daryan Knoblauch 的作品立足于建筑与即时文化生产的交汇点，致力于探讨如何通过张力与氛围使空间变得清晰可读。他并未将临时性作品视为次等建筑，而是将装置、舞台和活动建筑视为严谨的学科课题——在这些项目中，围合、结构稳定、光影与动线必须以对待任何常规建筑一样的严肃态度来攻克，且往往面临着更苛刻的限制和更紧迫的时间节点。

纵观其设计，贯穿始终的是高现代主义的精密性与刻意保留的质朴装配清晰度之间所产生的积极张力。膜材料与轻量化系统绝非仅仅用于营造表面视觉效果，而是作为结构和空间的媒介——根据风荷载、结构荷载和使用状态进行精确调试，从而营造出一种既能被视觉感知、又能被身体感悟的崇高感。在这些作品中，瞬时性不仅代表着存续的维度，更是一种设计的前提条件：时间的流逝让风雨侵蚀、日常磨损和行为介入等种种力量变得更加直观，同时也催生出一种兼具严苛标准与应变能力的建造伦理。

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几个世纪以来，永恒不变一直是建筑的定义。人们默认建筑物是固定的，其墙体与地基在空间中静止不动。而如今，越来越多的建筑师正试图挑战这一传统认知，将“运动”融入建筑本身的肌理与建构之中。

当屋顶旋转、墙体滑动，且整个结构开始回应其使用者时，一种奇妙的转变随之发生：建筑空间成了日常仪式中的活跃要素。这些空间开启、闭合、移动与转换的瞬间，将建筑物锚固于当下，并要求使用者与其产生积极的互动。此时，建筑不再只是一个静止的物件或纪念碑，而更像是一场精心编排的、邀人共同起舞的参与性仪式。

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在当下的城市中，城市密度的提高和土地价值的攀升，往往迫使人们在大型市政建筑与开放公共空间之间做出抉择。传统上，广场通常被视作环绕建筑基底的周边区域；然而，随着20世纪初现代主义运动引入“底层架空（pilotis）”，这一格局发生了改变。尽管最初的构想是通过创造一种轻盈感来引导人流与光线在结构下方自由流动，但在当今，抗震荷载、消防疏散以及高密度人流等现代规范要求，使得细长立柱已无法满足大型市政项目的现实需求。

话虽如此，对建筑轻盈感的追求并非现代独有的现象。继现代主义引入底层架空之后，20世纪中期的若干项目便开始尝试通过悬浮的幻象来实现市政建筑的透明性。1953年，由 Mario Valenzuela 设计、位于特古西加尔巴的洪都拉斯国会大厦，便将这些原则应用到了立法机构的建筑设计中。该建筑由一个坚实的会议厅体量组成，通过一系列纤细的立柱将其架高。得益于基地位于坡道尽头台地的地理优势，其形成的架空层不仅满足了交通流线的需求，更框景了城市风貌，营造出厚重的立法大楼轻盈悬浮于城市肌理之上的视觉观感。

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